Felices 140: ¡Todo por la “pasta”!

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por Carlos Montes (@micarmontes)

¿Cuántas veces nos ha hecho nuestro subconsciente la pregunta del millón?: ¿Por cuánto dinero sería yo capaz de venderme? ¿y de traicionar mis principios? ¿el dinero todo lo puede, si tengo una situación difícil? … ¿y si solo lo quiero por puro interés para cambiar mi estatus social? En esta ocasión no es la pregunta del millón, es la pregunta de los 140 millones que nos presenta la directora Gracia Querejeta en su nueva película. Ésta es la cifra que ha ganado la protagonista del film y la que hace que toda la historia gire en torno a ella.

Elia (Maribel Verdú) invita a sus amigos y familiares para que celebren su 40 cumpleaños junto a ella. Después de enseñarles su flamante nueva casa y de preparar una fiesta por todo lo alto, Elia les da a todos la noticia de que le han tocado 140 millones de euros en un Euromillón.

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En la séptima cinta de la realizadora nos volvemos a encontrar con uno de los temas más recurrentes que maneja la directora cuando construye sus películas, como los problemas personales del ser humano. Nos lo mostró en Siete Mesas de Billar Francés, 15 Años y un Día, y en ésta que nos ocupa nos muestra un nuevo eslabón de cómo cada persona se enfrenta a sus propias miserias. Buen trabajo de Querejeta en el guión, acompañada de Antonio Santos Mercero (hijo del gran Antonio Mercero) que también había escrito junto a la directora su anterior cinta 15 Años y un Día. Respecto al trabajo de la directora lo único que se antoja un tanto frío es el final que nos deja su largometraje. El film desgrana claramente en qué se puede convertir cualquier persona tanto para lo bueno como para lo malo, haciendo hincapié en lo segundo cuando se trata de dinero, y como éste es capaz de desestructurar a cada persona del modo que sea. En la película nos encontramos diferentes situaciones y relaciones, bien sean de pareja, amistad, familiares… y vemos como se refleja en cada una de ellas ese poso del ¡Todo por la “pasta”! que les hace cambiar, o no, según el interés por el que la dignidad se deja manejar y puede alterar no solo la percepción de sus vidas sino la de los demás.

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El muy buen tono general de las interpretaciones elevan bastante el film de la directora, en especial el rol protagonico que adquiere durante la trama Maribel Verdú (Elia), que se intuye como la musa de Querejeta ya que le ha dado las riendas de sus últimas tres películas. La actriz resuelve con aplomo, versatilidad, destreza y verosimilitud los registros que le ofrece su personaje, algo a lo que ya nos tiene acostumbrados a lo largo de su extensa carrera. Además, aquí, el peso de la mayoría de la historia recae en Verdú y lo lleva muy bien. Eduard Fernández (Ramón) sale con una muy buena actuación una vez más (¡Y van…!), de un hombre que sabe darle el tono exacto en cada momento a su trabajo, tanto a nivel gestual como a la hora de hablar. Eduard es un gran actor y en este film vuelve a demostrarlo.

El personaje de Marian Álvarez (Cati) da bastante juego a lo largo de todo el metraje. Sin duda alguna la protagonista de La Herida (anterior película de la actriz) demuestra que sigue al alza y que es un valor seguro a la hora de apostar por ella como bien nos deja ver en esta cinta. ¡Está atinadísima en cada aparición! Buena también la interpretación de Nora Navas (Martina). Aquí la vemos como esposa de E. Fernández y realizando un trabajo con mucha naturalidad y sencillez, algo que domina con mucha soltura.

Para no desentonar del resto del reparto, aparecen dos actores que siempre ofrecen bastante fiabilidad: Antonio de la Torre (Juan), que se sigue llevando a su terreno cada papel que cae en sus manos; y por otro lado, ese actor al que siempre anteponemos su cara, con el típico ¡Ah sí, este!, a su nombre, Ginés García Millán (Mario), al que vemos con una seguridad en sí mismo que hace que su actuación fluya de manera natural durante todas las escenas en las que aparece. Alex O´Dogherty (Polo), Paula Cancio (Claudia) y Marcos Ruiz (Bruno) realizan una más que correcta interpretación de sus respectivos personajes.

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Llegados a este punto, tan solo resta decir que Felices 140, sin ser nada novedosa en cuanto a lo que nos cuenta en su trama, sí es una oportuna, convincente y eficaz propuesta sobre la avaricia, mezquindad y codicia del ser humano, aderezada con una sutil ironía que se hace notar a lo largo de su argumento, que nos “obliga” a dejarnos una pregunta final: ¿Somos nosotros los que tenemos el dinero o es el dinero el que nos maneja a nosotros?

– Lo Mejor: El muy buen tono en general a nivel interpretativo. Su buen guión.

– Lo Peor: Un final algo desangelado. Su vetusto montaje.

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Marlon Brando: 10 años sin ‘El Padrino’ de la Actuación.

Nacido en Omaha (Nebraska) el 3 de abril de 1924, no era de extrañar que a Marlon Brando le entrara por las venas las ganas de actuar, ya que su padre era un conocido productor y su madre una actriz de teatro que le servía de inspiración, tanto como las personas adultas a las que el pequeño Brando observaba y cuyos gestos imitaba sin parar de día y de noche. Una vez finalizada su formación escolar empezó a trabajar en pequeños teatros locales hasta que consiguió un papel en Broadway en la obra de teatro I Remember Mamma en 1944. Le siguieron varias obras teatrales hasta convertir al gran Marlon Brando en un actor en el que fijar la mirada cuando alguien quiere aprender esta profesión…

Brando, en su famoso papel de ‘Vito Corleone’, en la película ‘El Padrino’

A lo largo de la historia del cine ha habido grandísimos actores, James Stewart, Cary Grant, John Wayne, Clark Gable, Burt Lancaster, Charles Chaplin, Kirk Douglas, Gary Cooper, Jack Lemmon, Tony Curtis, Charlton Heston… podríamos seguir así hasta nuestros tiempos en una lista que sería inacabable. Pero hay un actor que siempre ha estado en boca de todos a la hora de tomarlo como referencia en cuanto a interpretación se refiere, y ése es Marlon Brando. Ya sea por su enorme personalidad, por su marcado carácter, por la elegancia, por el enorme talento que poseía, por su imponente presencia o porque tenía todas estas características a la vez cuando actuaba. Por supuesto, los demás actores citados arriba aunaban estas características, no es una cuestión de comparaciones, o de decir quién era mejor que el otro, porque han sido actores maravillosos; pero era Brando el que dotaba a sus personajes de todos estos adjetivos de manera conjunta en todas y cada una de sus magníficas actuaciones. No hay más que ver su filmografía.

Brando, junto a Jean Simmons, en la película ‘Ellos y ellas’

Convertido en actor de teatro en los años 40 y en actor de cine en los años 50, Brando empezó a ser conocido al ponerse a las ordenes de grandes directores de la industria de Hollywood, como Elia Kazan, que lo eligió para representar un papel en la obra teatral ‘Un Tranvía Llamado Deseo’, donde tanto críticos como público quedaron absolutamente entregados ante la interpretación del actor. Años más tarde, este mismo trabajo lo llevó a cabo en la película del mismo título y con el mismo director, en la que era la segunda vez que el actor se ponía delante de las cámaras cinematográficamente hablando (la primera fue The Men), suponiendo su primera nominación al Oscar. Este dato habla bien a las claras del talento y de la estrella en ciernes que el Cine estaba viendo nacer.

En ‘Superman’

Hombre de un marcado carácter, a Marlon Brando se le atribuyen varias de las anécdotas, frases y curiosidades que siguen siendo la comidilla en el Hollywood actual, como la negativa de ir a recoger su Oscar enviando en su lugar a una mujer de origen indio que manifestó su enfado por cómo trataban a su pueblo las películas Hollywoodienses, o las famosas frases del interprete diciendo: “Un actor es una persona que no te escucha a menos que estés hablando de él”; “actuar es la expresión de un impulso neurótico, es la vida de un vagabundo”; “Chaplin es un hombre cuyo talento es para sorprenderse, es un genio, un genio del cine, un hombre con un talento para la comedia sin igual”; o “no me interesan los negocios, podría haber sido multimillonario pero habría tenido que ser otra persona, y no lo soy”. Quizás, leyendo entre líneas, sea posible descubrir de dónde sacaba toda esa maestría el gran M. Brando.

Desde luego que uno siempre tiene algo que destacar sobre las actuaciones de un hombre de esta talla interpretativa; me pasó no hace mucho revisando una de sus películas, concretamente, La Ley del Silencio, por la que el actor ganó su primera estatuilla dorada, y es que su papel agrupa una ternura, credibilidad, fuerza y poder que hace que se disfrute más de su calidad como intérprete en posteriores visionados, viendo así puntos y detalles que se escapaban al primer visionado. ¡Haced la prueba!

Como en todas las estrellas de cine, la carrera del actor tuvo su decadencia. En Brando se manifestó con una tendencia a la obesidad y a un aspecto ermitaño que le hacía estar casi irreconocible. Tanto, que los productores y directores dejaron de interesarse por él, hasta que a base de su insistencia y de hacerse cargo de su propio maquillaje, el actor convenció a Francis Ford Coppola de que era el la persona ideal para el papel de Vito Corleone, por la que obtuvo su segundo Oscar, en la película El Padrino. ¡Otra muestra más de que Brando era un actor con una personalidad diferente al resto! Además estuvo nominado por ¡Viva Zapata! (1952), Julio César (1953), Sayonara (1957), El Último Tango en París (1973) y Una Árida Estación Blanca (1989). Todas las nominaciones a la estatuilla dorada fueron a Mejor Actor, exceptuando la de 1989 que fue a Mejor Actor Secundario. También ganó el Globo de Oro por La Ley del Silencio y El Padrino, los BAFTA de Mejor Actor por ¡Viva Zapata!, Julio César y La Ley del Silencio, y el Premio a la mejor interpretación masculina en el Festival de Cannes, que también lo ganó en 1952 con ¡Viva Zapata!.

Brando, durante el rodaje de ‘Un tranvía llamado deseo’

En la película de Richard Donner de 1978, Superman, el actor cobró 4 millones de dólares por un papel que duraba diez minutos. Aparte de esta breve y jugosa gran interpretación, el talento de Brando se vió en cintas como Ellos y Ellas (1955), El Rostro Impenetrable (1961, dirigida por él), Rebelión a Bordo (1962), La Jauría Humana (1966), Apocalypse Now (1979), y muchas otras más. En sus últimas apariciones en la gran pantalla, films como Don Juan de Marco, El Novato, y Un Golpe Maestro (última película del actor) consiguen tener una buena publicidad gracias a la presencia de Marlon Brando.

Fue un referente mundial de la interpretación tanto para las antiguas, como para las actuales, y seguramente para las futuras generaciones de actores. Un hombre que se nos fue el 1 de julio de 2004, dejándonos su legado un día como hoy de hace 10 años: ¡ser el Padrino de la actuación!

Palmarés completo de los Premios Oscar 2014

Este domingo, día 02 de marzo de 2014, se entregaron los galardones que la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas estadounidense reparte en reconocimiento a la excelencia de los profesionales en la industria cinematográfica.

Los premiados este año en Los Oscars 2014 fueron los siguientes:

 

Mejor película

La gran estafa americana
Capitán Phillips
Dallas Buyers Club
Gravity 
Her 
Nebraska
Philomena
12 años de esclavitud
El lobo de Wall Street

Mejor director

David O’ Russell, por La Gran Estafa Americana
Alfonso Cuarón, por Gravity
Alexander Payne, por Nebraska
Steve McQueen, por 12 años de esclavitud
Martin Scorsese, por El lobo de Wall Street

Mejor actor principal

Christian Bale, por La Gran Estafa Americana
Bruce Dern, por Nebraska
Leonardo DiCaprio, por El lobo de Wall Street
Chiwetel Ejiofor, por 12 años de esclavitud
Matthew McConaughey, por Dallas Buyers Club

Mejor actriz principal

Amy Adams, por La Gran Estafa Americana
Cate Blanchett, por Blue Jasmine
Sandra Bullock, por Gravity
Judi Dench, por Philomena
Meryl Streep, por Agosto

Mejor actor de reparto

Barkhad Abdi, por Capitán Phillips
Bradley Cooper, por La Gran Estafa Americana
Michael Fassbender, por 12 años de esclavitud
Jonah Hill, por El lobo de Wall Street
Jared Leto, por Dallas Buyers Club

Mejor actriz de reparto

Sally Hawkins, por Blue Jasmine
Jennifer Lawrence, por La gran estafa americana
Lupita Nyong’o, por 12 años de esclavitud
Julia Roberts, por Agosto
June Squibb, por Nebraska

Mejor película animada

Los croods
Gru 2, mi villano favorito
Frozen: el reino del hielo
Ernest & Cèlestine
The Wind rises

Mejor guión original

La gran estafa americana
Blue Jasmine
Dallas Buyers Club
Her
Nebraska

Mejor guión adaptado

Antes del anochecer
Capitán Phillips
Philomena
12 años de esclavitud
El lobo de Wall Street

Mejor película de habla no inglesa

La gran belleza
Alabama Monroe (The Broken Circle Breakdown)
La caza
The missing Picture
Omar

Mejor diseño de producción

La gran estafa americana
Gravity
A propósito de Llewyn Davis
El Gran Gatsby
Prisioneros

Mejor fotografía

The Grandmaster
Gravity
A propósito de Llewyn Davis
Nebraska
Prisioneros

Mejor vestuario

La gran estafa americana
The Grandmaster
El Gran Gatsby
The invisible Woman
12 años de esclavitud

Mejor montaje

La gran estafa americana
Capitán Phillips
Dallas Buyers Club
Gravity
12 años de esclavitud

Mejor efectos visuales

Gravity
El Hobbit: la desolación de Smaug
Iron Man 3
El llanero Solitario
Star trek: En la oscuridad

Mejor maquillaje y peluquería

Dallas Buyers Club
Jackass Presents: Bad GranPa
El llanero solitario

Mejor edición de sonido

Cuando todo está perdido
Capitán Phillips
Gravity
El Hobbit: la desolación de Smaug
El único superviviente

Mejor mezcla de sonido

Capitán Phillips
Gravity
El Hobbit: la desolación de Smaug
A propósito de Llewyn Davis

Mejor banda sonora

La ladrona de libros
Gravity
Her
Philomena
Al encuentro de Mr. Banks

Mejor canción original

‘Happy’ de Gru 2, mi villano favorito
‘Let it Go’ de Frozen: el reino del hielo
‘The Moon Song’ de Her
‘Ordinary Love’ de Mandela: del mito al hombre

Mejor documental

The Act of Killing
Cutie and the Boxer
Dirty Wars
The Square
A 20 pasos de la fama

Mejor cortometraje

Aquel no era yo
Avant que de tout perdre (Just before losing everything)
Helium
Pitääkö Mun Kaikki Hoitaa? (Do I Have to Take Care of Everything?)
The Voorman Problem

Mejor cortometraje documental

Cave Digger
Facing Fear
Karama Has no Walls
The lady in number 6: Music saved my live
Prison terminal: The last days of private Jack Hall

Mejor cortometraje animado

Feral
Get a Horse
Mr. Hublot
Possessions
Room on the Broom

Philomena: Te Perdono…

por Carlos Montes

Creo que  Stephen Frears ha hecho una buena película con Philomena. Si ha hecho una buena adaptación del libro, eso ya no os lo puedo decir porque personalmente no me he leído la obra “El Hijo Perdido de Philomena Lee” de Martin Sixsmith, pero a tenor de su nominación al Oscar en guión adaptado, sí parece que el director haya llevado un fiel reflejo de la novela a la gran pantalla.

Philomena (Judi Dench), la Hermana Claire (Cathy Belton), y Martin (Steve Coogan)

Salí con una sensación extraña después de ver Philomena. Me gustó la dirección, me gustaron los actores, tanto Judi Dench, como Steve Coogan (más ella que él), me gustaron los detalles (excelentes) que Frears muestra en buena parte de la cinta, y me gustó (mucho, por cierto) la excelente música de Alexander Desplat.  Pero a pesar de que todo me pareció bueno, la conclusión final sobre la película no me parece demasiado coherente, o por decirlo de otra manera, yo no le hubiera dado ese remate final a la cinta. Aunque eso entra dentro de mi sensación final y de lo que me involucro en el film cuando lo estoy viendo.  De ahí, la extraña sensación a la que me refería de haber visto que todo me iba gustando durante  gran parte del largometraje, pero quizás el final no se ajuste a lo que yo deseaba al tomar parte como espectador. Y por esa forma de ver y entender el cine y de sacar nuestras propias conclusiones de forma diferente que cada uno de nosotros tenemos, a lo mejor, la conclusión final de la cinta me dejó un poco frío. Entiendo por supuesto que el director, y más viniendo de un guión adaptado, lo haya querido plasmar así en la gran pantalla, pero también creo que volcar este final sólo en el perdón, sin reforzar otros puntos fuertes del argumento, ha hecho que sea sólo una buena película y no algo mejor.

Criada en un colegio de monjas, Philomena (Judi Dench) conoce, a través de su hija, a un periodista llamado Martin Sixsmith (Steve Coogan) al que acaban de despedir de su trabajo en la cadena de televisión BBC. Dispuesto a no quedarse parado tras su despido, Martin se interesa por la historia de Philomena, una madre que lleva casi 50 años buscando a su hijo.

Es innegable que una de las grandes virtudes del director S. Frears sigue siendo el sacar lo mejor de sus actores en cada momento, y el saber posicionarlos frente a la cámara para obtener unos buenos primeros planos para que sientas lo que el propio protagonista está sintiendo en ese momento. ¡Aquí vuelve a hacerlo de la mano de Judi Dench! Todo esto que escribo lo había mostrado ya en anteriores trabajos, en especial, en su genial Las Amistades Peligrosas con aquellos tremendos planos de Glenn Close, John Malkovich y Michelle Pfeiffer. Otra de las cosas buenas en general que tiene este director, es lo cómodo que te sientes al ver sus films, porque no deja nada al azar y sabe  muy bien enlazar los hechos dentro de la propia trama. No hay margen para las florituras y para los sinsentidos dentro de su cine. Eso es de agradecer.

Yo no descubro nada al decir que J. Dench tiene calidad para dar y regalar, pero si me gusta hacer hincapié en las buenísimas actuaciones de los actores. Aquí tenemos un buen ejemplo, ya que con su humilde mirada, la gran Judi es capaz de sentir y hacer que te sientas muy cercano al personaje. Es capaz de vivirlo como seguramente lo hiciera su verdadera madre (está basado en un hecho real), y con una sencillez pasmosa, te muestra la angustia, la “resignación” y la alegría de una madre que nunca ha dejado de querer a su hijo a pesar del largo tiempo transcurrido.

También es destacable el trabajo que realiza el actor S. Coogan, al que estamos acostumbrados a verlo en papeles más bien de comedia (The Trip, Tropic Thunder, Tristram Shandy…). Él, que en la trama es el contrapunto de Philomena, odia todo lo que tiene ver con la Iglesia, y sabe mostrar muy bien ese sarcasmo hacia eso en lo que él nunca ha creído. Desde luego, si has visto un poco la carrera de Coogan, te das cuenta que es un actor bastante fiable, y en esta cinta lo vuelve a demostrar. Del resto del reparto no se puede decir nada porque aparecen muy poco en pantalla, ya que la historia se centra en su totalidad en los papeles de Dench y Coogan.

La película lleva mucha carga de denuncia social y momentos melodramáticos que se ven salteados por unos diálogos con toques de humor que le dan ligereza al argumento, y muestra cómo encajan las emociones de los personajes en situaciones dispares y en creencias totalmente opuestas, unos personajes llenos de humanidad y sentimientos.

¡La banda sonora original que le ha hecho Alexander Desplat a la cinta es sensacional! Está metida con un tino y un acierto a lo largo de todo el largometraje con gran maestría, sobre todo en los primeros planos del film. Desplat, que es uno de los grandes compositores de B.S.O. del momento, tiene un montón de temas muy conocidos para el gran público como El Curioso Caso de Benjamin Button, Harry Potter y las Relíquias de la Muerte, El Discurso del Rey, El Caballero Oscuro, Argo… por citar sólo algunas. Está nominado al Oscar por sexta vez (todavía no lo tiene), y este domingo espera alzarse con la estatuilla. ¡Desde luego que, por su carrera, lo merece! Un motivo más para ver la película es la música. ¡Véanla, y saquen sus conclusiones!

– Lo Mejor: La actuación de Judi Dench, los detalles del director en la trama, y la música de Desplat en la primera parte del film.

– Lo Peor: Yo. Perdón por la pedantería, pero a pesar de venir de un guión adaptado, me hubiera gustado otro final.

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Recomendaciones Cinefilex: “WALL-E”

Afiche de la película “WALL-E”

El primer minuto te gusta, los 10 siguientes te hacen soñar, y el resto de película sólo puedes disfrutar de la maravilla que Pixar creó cuando ideo a Wall-E.

Esta semana en Cinefilex os traemos una nueva recomendación, esta vez de una película de animación. Para ser más exactos, de la que quizá sea la mejor película de animación de los últimos años: WALL-E.

Una bonita escena entre Walle-e y Eva

El robot con sentimientos que a tantos niños y mayores ha enamorado y que nos hizo disfrutar de una hora y media de una animación sin precedentes. Se trata de una de las muchas maravillas que en los últimos años la fábrica de ideas de Pixar nos ha dado. La historia de una Tierra post-apocalíptica, que los humanos abandonamos tras llenarla de basura, hasta el punto de que ya no se podía vivir en ella. Para poder volver algún día, se crearon unos robots (WALL-E) que se encargaban de recoger toda la basura, hacer cubos con ella y ordenarla. Pero pasado el tiempo, sólo uno de esos robots, al que se olvidaron de desenchufar (por decirlo de alguna manera), consiguió sobrevivir. Solo, Wall-e se dedica a buscar entre la basura objetos extraños para él y los colecciona. Además, nuestro pequeño amigo tiene una vieja película que cada día visiona una y otra vez, y que no es otra que el musical Hello Dolly (Gene Kelly, 1969), de la que graba algunas de sus escenas para retenerlas en su memoria, como la escena en la que ambos protagonistas se dan la mano, algo que Wall-e no ha hecho nunca y que, de alguna forma, extraña hacer. Día tras día, la rutina de Wall-e es la misma, hasta que un día una nave llega a la Tierra y de ella sale “una” robot, Eva, que atrae la atención de nuestro protagonista, que la sigue mientras ella realiza un reconocimiento buscando algo. Pronto ambos robots se conocerán y aprenderán cosas uno del otro. Veremos preciosas escenas como cuando Wall-e enseña su “casa” a Eva, quiere mostrarle todo aquello que ha ido coleccionando a lo largo de los años y sobretodo su más preciado bien, “Hello Dolly”, y en esta escena podremos ver aquellas cosas que separan a esta pareja.

Esta historia nos transmite valores como la amistad, el amor o la superación, a través del relato de este pequeño robot dispuesto a todo por su nueva amiga. Nos hará ver como un robot puede ser mucho más humano de lo que podemos serlo nosotros, y nos mostrará una humanidad totalmente robotizada, que no siente ni padece, que no se comunica, que ha olvidado todo aquello que había vivido en su planeta, y que incluso ha olvidado andar.

Pero si esta magnífica historia no fuera suficiente para hacernos ver la película, además cuenta con una animación impresionante, mostrando una ciudad entera hecha con cubos de basura, colocados con forma de edificios, carreteras, y cualquier otro elemento urbano que podamos imaginar en nuestra ciudad, representado por minúsculos cubos realizados por Wall-e,generando belleza a partir de devastación. Como dato curioso, para crear esta Tierra devastada se basaron en las ciudades de Sofía (Bulgaria) y Chernóbil (Ucrania)

La Tierra construida con bloques de basura

Bajo la dirección de Andrew Stanton (“Toy Story” (1995), “Buscando a Nemo” (2003)), quién declaró haber concebido a Wall-e durante un almuerzo, y cuyo diseñador de producción no es otro que Ralph Eggleston (“Toy Story” (1995), “Buscando a Nemo” (2003)), la película aprovecha la química entre ambos cineastas, viejos conocidos en lo que ha animación se refiere, cuyo trabajo se ha cruzado en multitud de ocasiones. Gracias a esto, todos los fans de las películas de animación nos hemos visto recompensados con títulos como Monstruos S.A (2001) o Up (2009), con las que han obtenido grandes resultados.

Lo mejor: una gran historia, contada de forma bonita y sobre todo desde un punto de vista que haga pensar a pequeños y mayores. Y cómo no, su increíble animación. Quizá la mejor película de animación de los últimos años.

Lo peor: si alguien puede decirnos algo malo de esta película, por favor, admitimos sugerencias…

Os dejamos una muestra de esta preciosa historia, para que os enamoréis con ella como lo hizo Cinefilex.

http://www.youtube.com/watch?v=P9kJShlF7z0

Taquilla en España: del 1 al 5 de mayo

 

Una semana más, acción y ciencia-ficción dominan en la cartelera española. Repitiendo en lo más alto de la lista, encontramos al superhéroe metalizado, Iron Man 3, que se convierte en el mejor estreno del año y da una alegría a Marvel. En una semana con estrenos muy flojos, el segundo puesto en taquilla ha sido para la última entrega de una famosa saga: Scary Movie 5 vuelve a parodiar algunas de las grandes películas de terror de la temporada. En tercer lugar, otro de los estrenos de la semana: La Gran Boda, protagonizada por Robert De Niro, Susan Sarandon o Diane Keaton. Se trata de una nueva “comedia romántica” (podéis leer la crítica de Cinefilex en nuestro blog), con un reparto repleto de grandes glorias de Hollywood. En cuarto lugar, Tom Cruise y su historia post-apocalíptica en Oblivión siguen dando de qué hablar, esta semana en el cuarto puesto. Parece que el chico de oro de la industria americana no pierde su encanto. Y por último, cierra el Top 5 de la semana la infantil Los Croods, que parece negarse a abandonar su puesto entre las más taquilleras, y es que, los más pequeños demuestran una semana más que son los dueños de las salas de cine.

 

Iron Man 3

2º Scary Movie 5

La Gran Boda

Oblivion

5º Los Croods

Para +info sobre estas películas y muchas más, podéis disfrutar en nuestro blog de las críticas de Cinefilex https://cinefilex.wordpress.com/category/criticas/

“Tipos Legales: tres mafiosos de escándalo, haciéndonos reír…”

por Alejandro Aramendía

Tengo que reconocer, ante todo, que me chiflan las películas de mafiosos. Casino, Camino a la Perdición, El Padrino, Uno de los nuestros, Érase una vez en América, Infiltrados, Mystic River, el cine de Tarantino, de Scorsese, de Guy Ritchie… Es, sin duda alguna, el componente cinematográfico que más me divierte, el que más me interesa, y el que más me emociona, en un sentido amplio de la palabra.

Tal vez sea porque el mundo del hampa y los bajos fondos, se caracteriza por un extraño código de honor, casi caballeresco, y poco intuitivo, que aunque sea moralmente cuestionable, todos los habitantes de dicho mundo llevan inscrito en su psique. Los que no lo siguen, sufren las consecuencias de la “Ley de la calle”. Es un mundo bruto, inmoral, pero que tiende, unas veces más, otras veces menos, a ser justo.

En la ficción. Que quede claro. Hablamos del romanticismo que envuelve a las historias de gángsters y clanes mafiosos. La realidad generalmente no suele ser tan bella. Y sino, no hay más que ver aquellas cintas, más objetivas que artísticas, que retratan el verdadero estilo de estos grupos, como Gomorra (Matteo Garrone, 2008).

Por todo ello, es obvio que no voy a juzgar sin prejuicio la película que hoy nos ocupa.

Tipos Legales es una comedia negra dirigida por Fisher Stevens. Fisher Stevens es una persona polifacética: actualmente aparece en cartelera dentro del reparto de LOL (Lisa Azuelos, 2012). En cuanto a su trabajo en esta película, debo decir que la dirección no es mala. Tal vez no tenga demasiado mérito, pues se ha rodeado de un elenco de actores veteranos y talentosos, que apenas necesitan directrices más allá de las que marca el guión. Sin embargo, la película tiene un ritmo ligero y agradable, que en ningún momento se hace pesado, y unos planos que acercan al espectador, y lo hacen partícipe del humor de los protagonistas. El director, natural de Chicago, puede apuntarse ese tanto.

El espectacular trío principal: C. Walken, Al Pacino y Alan Arkin

En cuanto al reparto, el trío principal es escandaloso. La productora Lionsgate decidió tirar la casa por la ventana, y contratar a tres actores que diesen a su película el nivel cinematográfico del que carecen el 90% de sus títulos (Lionsgate es responsable de bodrios de la talla de Saw II-VI, Alone in the Dark, Bratz: La película, Transporter 3, Exorcismo en Connecticut, la saga Crepúsculo, o Los Juegos del Hambre, si bien también tienen alguna que otra joya como Crash, o Amores Perros…).

Los elegidos fueron Al Pacino, Christopher Walken, y Alan Arkin. Tres ganadores de Oscar. Tres actores a los que podríamos dedicarles secciones enteras por separado.

Interpretan a Val, Doc, y Hirsch, tres miembros retirados de una antigua banda de criminales callejeros que se juntan tras la salida de prisión del primero. Sin embargo, poco queda ya de los días en los que juntos cometían fechorías, y todo lo que podemos observar son tres ancianos aquejados de los típicos problemas de la vejez, desde los más físicos como la impotencia (con la que el guión hace un par de chistes), hasta los más psíquicos, como los que dan pie a la historia secundaria del film.

A la drcha.: Addison Timlin, interpretando a “Alex”

Los tres están estupendos. Pacino sobre todo, pues alberga el papel más retorcido de los tres. Sin embargo, la presencia de Walken en pantalla siempre me ha fascinado, y cuando aparece en el encuadre, mi atención tiende a seguirle sin remedio. El papel de Arkin es el menor de los tres, pero su sello de calidad queda patente.

En cuanto al resto del reparto, destaca una adorable Addison Timlin (The Isabel Fish (2006)), y una siempre dura, aunque atractiva, Vanessa Ferlito (Death Proof (2007), Julie & Julia (2009)).

El guión es interesante. El argumento (centrado en que Val, el recién salido de la cárcel, es condenado a muerte por el antiguo jefe de la banda, quien a su vez encarga el asesinato a uno de sus viejos compadres…) es atractivo, aunque tal vez poco plausible. Sin embargo, estamos ante una comedia, y por ello podemos ser algo más tolerantes. En cuanto a la estructura, los chistes consiguen hacer reír al espectador, por lo menos en mi caso. Una carga notable del humor de la película cae sobre los hombros de Wendy, interpretada con gracia por la actriz Lucy Punch. La película roza por momentos la caricatura, y sí, los chistes no son demasiado originales, pero cumplen con su función, y por ello los considero aceptables. Como ya he dicho, estamos ante una comedia.

Por otro lado, no todo pueden ser risas, y se añade una segunda historia de fondo al largometraje para dar un leve toque de emoción dramática. Algunos la juzgarían innecesaria, mas yo pienso que complementa al film, y le da cierto equilibrio.

Por último, me gustaría destacar la música que acompaña a las imágenes. Basada en canciones de rock n’ roll de los 70’s, impregna toda la película de un aire desenfadado y gamberro, algo desfasado, que define perfectamente a los tres protagonistas.

Aquel que se quede a ver los créditos finales de la película, podrá disfrutar además del tema principal, compuesto e interpretado por el talento de Jon Bon Jovi.

En definitiva, Tipos Legales es una buena comedia negra y gamberra, que entretiene al espectador durante 90 minutos, y consigue que salga de la sala con una sonrisa, y la satisfacción de haber visto en acción a tres actores de talla mundial.

– Lo mejor: El trío principal, y los primeros 20 minutos de película, verdaderamente desternillantes.

– Lo peor: Un guión simple, traducido en una película corta que deja un buen sabor de boca, pero que no llegará a dejar huella en el espectador.

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Para + info, recuerda lo que dijimos en el Preview Hollywood de esta película en https://cinefilex.wordpress.com/2013/03/06/preview-hollywood-tipos-legales-de-fisher-stevens/

Recomendación Cinefilex: ¿Y Ahora Adónde Vamos?

Afiche ¿Y Ahora Adónde Vamos?

Un grupo de mujeres de negro en procesión, siguen el camino que lleva al cementerio, llevando consigo las fotos de aquellos a los que han perdido, unas llevan velo, otras cruces, pero todas tienen algo en común, la pérdida de sus seres más queridos. Se trata de la historia de unas mujeres vestidas de negro que comparten un mismo dolor, la pérdida que una guerra funesta les ha causado.

Hoy en Cinefilex llega una nueva recomendación, esta vez sobre una película de colaboración Libanesa, Francesa, Egipcia e Itliana, que apenas ha sido publicitada y que se estrenó en los cines de nuestro país a principio de 2012. Se trata de la preciosa ¿Y Ahora Adónde Vamos?.

Primera escena de la película

Fue presentada en el Festival de Cine de Cannes donde recibió grandes críticas tanto por parte del jurado, como del público. En España, fue presentada en el Festival de Cine de San Sebastián donde recibió el premio del Público. También recibió este mismo Premio cuando se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

Se trata del segundo trabajo de la directora de la exquisita Caramel (2007): Nadine Labaki,  que nos vuelve a presentar una preciosa historia en la que mezcla comedia y drama con la dosis perfecta de musical. Nos ofrece una nueva mirada sobre la guerra, la amistad y la religión, en un pueblo rodeado de minas, y en peligro de que una guerra destruya todo lo que tienen.

Protagonizada por la propia Nadine Labaki (que ya protagonizó su primer film), nos presenta una historia sobre mujeres, religión, amor, odio, guerra, muerte… una perfecta mezcla se sentimientos que harán emocionarse al espectador con cada imagen que se les muestre.

Escena de la película

La historia está ambientada en un pequeño y aislado pueblo libanés rodeado por la guerra y la muerte, en el que conviven de forma más que cordial dos grupos muy diferenciados y enfrentados: musulmanes y cristianos. Todo a su alrededor es guerra, pero ellos intentan vivir de la forma más pacífica que pueden. Al menos, eso es lo que intentan las mujeres de este pueblo, que con la ayuda del sacerdote y el imán del pueblo, demuestran coraje y valentía al conseguir por medio de diferentes y alocados planes, que los hombres no se enteren de lo que sucede a pocos kilómetros de sus hogares. Estas mujeres están dispuestas a todo por vivir en paz, hasta el punto de luchar contra sus propias creencias y contratar a un grupo de bailarinas de un pueblo cercano, que junto a su vago y aprovechado jefe, entretendrán a los hombres para evitar que se maten entre ellos.

A la ya mencionada Nadine Labaki que interpreta el papel de Amale, una jóven cristiana, que perdió a su marido por la guerra, y que regenta el bar del pueblo; le acompaña la extraordinaria  Claude Baz Moussawbaa en el papel de Takla, es la dueña de la tienda del pueblo, es cristiana al igual que Amale y junto con sus hijos, es la encargada de suministrar al pueblo de todo lo que necesitan gracias a una moto en la que sus hijos viajan a los pueblos vecinos; Fatmeh interpretada por Anjo Rihane, es musulmana, casada y madre de un niño, es una de las mejores interpretaciones de la película; Y por último este genial grupo de mujeres lo componen las fabulosas Antoinette Noufaily, Yvonne Maalouf y Layla Hakim quienes interpretan a Saydeh, YvonneAfaf respectivamente. En estas tres mujeres, las dos primeras cristianas y la última musulmana, recae el peso cómico de la película, y no defraudan, saben poner el punto cómico perfecto en cada escena, con frases tan célebres como “esto, con un poquito de Hachís derribaría a un camello”.

Una de las divertidas escenas de la película

En definitiva, se trata de la película perfecta para verla  en familia, con una preciosa puesta en escena y un reparto que no decepciona. Una banda sonora espectacular y un argumento distinto, visto desde una perspectiva diferente y que os hará disfrutar y divertiros, a la vez que emocionaros con unos personajes que consiguen llegar a todo aquel que quiera escucharlos.

Lo mejor: el argumento, su guión, banda sonora y una preciosa puesta en escena.

Lo peor: quedarte con las ganas de más cuando acaba la película.

“He contado mi historia, a los que la habéis escuchado, la historia de un pueblo que encontró la paz, cuando a su alrededor reinaba la violencia. De unos hombres que tuvieron un sueño tan profundo, que al despertar ya no encontraron la guerra. De unas mujeres vestidas de negro, que lucharon con flores y plegarias en vez de armas y bengalas. Y para proteger a sus hijos, se hicieron con su propio destino, para encontrar un nuevo camino”. (Amale)